El palomo miope

Él la miró a ella, a tan solo unos centímetros de su aliento. Y le dijo:

- Siempre sueño con el pasado. Nunca con el futuro.

Cuando ella abandonó el ascensor, pensó que al menos los borrachos no hablan del tiempo.

Y tal vez digan la verdad.

Imagen: "Sueño". Andrés Cillero, 1993.

En su rostro nadie podría adivinar rabia ni rencor. Los labios apretados mostraban tal vez sólo decepción. Pero el brillo de sus ojos, aquella lágrima que se negaba a salir al exterior y resbalar por una inocente mejilla, nos descubría a todos su infinita dignidad.

Por su mente jamás pasaría la idea del perdón.

Imagen: "La pequeña Ana", Axel Gallen-Kallela. 1897

Cruzaban sus miradas unos a otros en torno a la mesa. Una mesa cubierta de copas a punto de llegar a su fin. Botellas secas, copas casi vacías, ceniceros rebosando humo y colillas. Miradas severas. Gestos compungidos. Un mal resultado, un pésimo partido. Silencios decepcionados.

Él miró disimuladamente su reloj y contaba los minutos que faltaban para volver a abrazarla. Para volver a besarla. Para volver a amarla. A ella.

Se tomaron de la mano.

Sabían, ella y él, que no todo estaba perdido. Sabían que tal vez dentro de unos meses todo podría volver a la normalidad.

Pero, por ahora, sólo sus manos entrelazadas les servían de consuelo.

Imagen: "Dolor", Albert Edelfelt.1894

El palomo miope lleva mucho tiempo oculto en las cornisas de los viejos edificios de la ciudad, contemplando aburrido el discurrir monótono de los días.

Y, de repente, tal vez animado por el sol y la temperatura primaveral, quizás harto de contemplar su propia imagen en los charcos de las plazas y avenidas, recupera su mirada miope y quiere hacerlo de la mano del amigo Manuel y el artista del que habla en el último comentario en este blog, Antonio Castelló Avilleira, un madrileño nacido en el 72 cuya obra, en un primer golpe de vista, sencillamente impresiona.

El hiperrealismo surge a finales de los 60 en los Estados Unidos como una tendencia radical de la pintura realista que propone reproducir la realidad de manera casi fotográfica, o sin casi.

En aquella época, la tendencia dominante era la abstracción, y el realismo estaba mal visto, porque se consideraba un arte que copiaba de fotografías o de la realidad sin ningún interés.

Sin embargo, artistas como Chuck Close, Malcolm Morley o Richard Estes, desarrollaron técnicas totalmente nuevas de representación de la realidad, consiguiendo resultados siempre asombrosos. Lo que ha venido en llamarse fotorrealismo americano. En España, Antonio López es, sin duda, la figura más relevante de este hiperrealismo mágico.

Dice el crítico Miguel Ángel Gómez Cortés que los óleos de Castelló Avilleira reflejan un aire de nostalgia por un mundo anterior, donde los recuerdos (fotografías, postales, objetos y cartas) permanecen en sombra. En sus cuadros aparecen sulfatadoras, botellas antiguas, regaderas...

El propio Castelló Avielleira responde que intenta rescatar la nostalgia que desprenden: "Me encantan las antigüedades y quiero dejar constancia de todos los elementos y de la atmósfera." "Empecé trabajando la pintura impresionista y poco a poco me fui introduciendo en el realismo y después en el hiperrealismo, donde sigo." Sobre sus composiciones de frutas dice:

"Últimamente estoy trabajando ese tipo de fotorrealismo americano. Me gusta rescatar la grandeza de lo mínimo, la gracia de la curva y el color." Y es verdad. En el fondo, sus cerezas, manzanas y moras, son curvas de color y de luz que rescatan desde lo mínimo la grandeza de la vida sencilla que nos rodea.

Que, a fin de cuentas, es lo que le gusta al palomo miope.

Al palomo miope le gusta, de vez en cuando, recorrer paisajes imposibles: Puentes, arcos, caminos infinitos, luces, sombras, abismos. Son sueños necesarios para recomponer la propia naturaleza del que quiere volar, de quien quiere disfrutar de todas las visiones posibles de la vida.

Y de las imposibles.

Ana García es una pintora que comenzó su andadura artística como dibujante centrada en el dibujo lineal a tinta.

Su obra estaba centrada en el blanco y el negro, en escaleras que nadie podía saber si subían o bajaban, en puentes infinitos, en árboles secos cuyas raíces alcanzaban el centro del pensamiento firme o de la duda. En perspectivas que alcanzaban la cima proviniendo de la nada como origen de una creatividad sin límites.

Líneas rectas que cerraban un círculo de pensamiento mágico.

Poco a poco, las líneas rectas se fueron transformando, y el blanco y el negro dieron paso a la diversidad de colores y a la luz.

En la actualidad, Ana García está especializada en paisajes imposibles. Continúan en sus obras las escaleras infinitas intentando alcanzar los límites irreales; continúan sus árboles expectantes, ahora abiertos a un futuro luminoso; continúan sus arcos que traspasan las fronteras del pensamiento o las columnas que lo reafirman.

Ha añadido música a su obra: pianos, platillos... Somos capaces de percibir el sonido.

Pero ahora el color impregna los lienzos, llenándolos de luz, nubes y cielos que rodean unas imágenes ensoñadoras para transformarlas en paisajes múltiples.

Así titula su exposición: "Paisajes Múltiples".

Podremos ver su obra de óleos y acuarelas en la exposición que en el Centro Cívico "Estación del Norte" (Expressión artística) tendrá lugar entre el 11 y el 29 de septiembre en Zaragoza.

Cuando despertó del coma contempló un techo desnudo y escuchó el monótono ruido de una máquina que hinchaba sus pulmones con un aire tan frágil como artificial. Pronto descubriría que la brisa sólo podría acariciar su rostro.
Le dijeron que a partir de entonces, ésa iba a ser su vida. Y él se habría rebelado si la naturaleza, el azar, o el mismo Dios, no hubieran decidido negarle hasta la posibilidad de la rebelión. Su vida se iba a limitar a contemplar a través de una ventana la vida de los demás.
Desde su inmovilidad absoluta, decidió situarse en el umbral de la libertad.
Por eso dedicó su voz rota y sus pensamientos lúcidos a cultivar las buenas amistades, no para sentirse acompañado mirando el mundo, sino para encontrar entre aquellos amigos la mano que un día, antes o después, le devolvería las riendas de su propia vida, y le abriría la puerta de la libertad.
Jorge León in memoriam.

Puede leerse la noticia en El País o en El Mundo.

El palomo miope reconoce que no entiende mucho de arte, pero sí sabe distinguir lo que le gusta de lo que no. Lo compara con el vino. El palomo miope tampoco entiende de vinos, pero si un vino le gusta, para él es bueno.
Establecer esta comparación entre el vino y el arte le ha recordado a Thomas Arvid, un artista que ha sabido tender puentes entre esos dos elementos del disfrute, particular y a veces íntimo, de los sentidos. Opina Arvid que el vino es una obra de arte. Por eso quizás ha dedicado su vida y su carrera artística a pintar el vino y los rituales que lo rodean.
Ya comentó aquí el palomo miope a otro singular artista, Steve Smulka, y mencionó la sorprendente habilidad para capturar la luz traspasando el vidrio. Thomas Arvid hace que la luz traspase también el verde de una botella de vino o el rojo de un buen caldo. Las imágenes atrapadas por Arvid en sus óleos sorprenden al espectador por su minuciosidad, por sus detalles, por su absoluta precisión, pero también por la serenidad que aportan sus composiciones.

Thomas Arvid es, además, un buen coleccionista de arte y de vino. El vino es un gran tema. La gente está familiarizada con él. Puede traer a la memoria momentos especiales que han sido rubricados con un brindis y el ligero encuentro de las copas.
Su trabajo está representado en más de cincuenta galerías de los Estados Unidos, Canadá y Japón. Sus coleccionistas pueden ser capaces de esperar años para conseguir un original suyo, pero sus obras también pueden adquirirse en ediciones muy limitadas de giclèe sobre lienzo.
En la actualidad, Arvid y su mujer, Vanessa, capitanean la Thomas Arvid Fine Art, Inc. , una exitosa compañía fundada en 2000, que distribuye las ediciones limitadas y las originales de Arvid a través de todo el mundo, y que lanzó en noviembre de 2004 un libro retrospectivo del trabajo de Arvid: "Arvid: Redefining the Modern Still Life".
Escrito a modo de crónica para ilustrar una de las frases preferidas de Arvid: "La vida sin arte es como una cena sin vino", en él se recorre el estilo del artista desde sus principios, hace más de una década, hasta hoy.

Tras contemplar la imágenes hiperrealistas de Arvid y pasearse entre botellas y copas de buen vino, el palomo miope clava su pico sobre un corcho que retiene el aroma de la bebida de los dioses, extiende sus patas, recoge sus alas, y decide echarse una siesta antes de intentar retomar el vuelo.